La Semaine du design de Milan 2025 a été une célébration de l'héritage et de la créativité avant-gardiste, donnant le ton pour le paysage du design de l'année.
En substance, la Milano Design Week 2025 a marqué un tournant vers le divertissement immersif, une plus grande accessibilité et une expansion thématique. Elle a également été critiquée pour avoir privilégié le spectacle au détriment de la substance et pour les défis posés par la cohésion de la programmation dans le cadre d'un événement de plus en plus grand et démocratisé.
L'ESSENCE DE 2025 SEMAINE DU DESIGN À MILAN
1. Une évolution vers des expériences immersives et performantes
Performance et théâtralité
Cette année, les marques et les concepteurs ont de plus en plus adopté des formats dynamiques et immersifs, s'éloignant ainsi des présentations statiques conventionnelles. Les théâtres historiques et les scènes construites à cet effet ont occupé le devant de la scène, accueillant des présentations qui mêlaient le design au jeu d'acteur, à la danse et à des décors élaborés.
La présentation "Staging Modernity" de Cassina au Teatro Lirico s'est distinguée par l'intégration de ses meubles dans un spectacle vivant, tandis que Kelly Wearstler a présenté sa dernière collection de tapis dans un environnement théâtral dramatique.
Cassina -(C) Fuorisalone it
Kelly Wearstler x Rug Compagny
Installations cinématographiques et expérientielles
Les marques de luxe ont adopté des approches cinématographiques, en utilisant des décors grandioses et immersifs et des expériences multisensorielles pour impliquer les visiteurs, créant ainsi une atmosphère plus axée sur le divertissement.
2. Contenu ou spectacle
Démocratisation et divertissement
Le design est de plus en plus considéré comme un divertissement, où l'expérience, l'interaction et l'attrait des médias sociaux prennent souvent le pas sur un contenu profond et significatif.
Bien que cela ait rendu l'événement plus accessible à un public plus large, certains critiques et professionnels ont noté une diminution du nombre de projets véritablement inspirants ou stimulants, l'accent étant mis davantage sur l'esthétique "spectaculaire" et les moments à partager que sur la substance et la conservation.
Qualité de la conservation
Cette année, de nombreux lieux d'exposition ont manqué d'une direction curatoriale forte, présentant des collections éparses plutôt que des expositions cohérentes et bien pensées. L'accent n'était plus mis sur les artistes exposés, mais simplement sur le fait d'avoir quelque chose à promouvoir, parfois au détriment de la qualité.
Leschaises gelées de Tokujin Yoshioka
3. Expansion et dynamique des districts
Évolution du district
L'événement continue de s'étendre géographiquement, avec de nouveaux sites et quartiers qui gagnent en importance. Par exemple, le quartier 5Vie a introduit de nouveaux espaces d'exposition, et l'Isola Design District a mis l'accent sur l'impact social, le respect de l'environnement et le développement durable.onsibilité, et l'innovation numérique, reflétant une approche plus large et plus inclusive des thèmes de conception.
Thèmes sociaux et environnementaux
Des quartiers comme Isola se sont concentrés sur la relation entre les personnes et le design, la production zéro kilomètre et la durabilité, avec des expositions telles que "Conscious Objects" et "Openspace" qui explorent ces thèmes.
4. Public et accessibilité
Intensification de l'expérience des visiteurs
L'échelle et l'intensité de la semaine ont augmenté, avec davantage d'événements, des foules plus importantes et une atmosphère de festival. Cela a entraîné des problèmes d'accessibilité et le sentiment que l'événement est parfois plus axé sur le spectacle et la collecte de données que sur la substance de la conception.
Attirer un public plus large
La démocratisation du design a attiré un public plus diversifié, allant des professionnels de l'industrie au grand public, rendant l'événement plus inclusif mais risquant également de diluer le contenu.
5. Changements systémiques et culturels
Brouiller les frontières
Les divisions strictes entre l'art, l'artisanat et le design sont progressivement remplacées par des catégories plus poreuses, comme l'"art-design", le design de collection et l'art fonctionnel, qui sont tous présents. L'influence des médias sociaux a dépassé celle de l'imprimé traditionnel pour façonner le récit et la portée de l'événement.
Le design en tant que système et contexte
La semaine reflète de plus en plus des changements culturels et économiques plus larges, le design étant considéré comme interconnecté avec l'industrie, le commerce et la société, plutôt que comme une expression artistique isolée.
MARQUES ET EXPOSITIONS CLÉS
Lavazza:
A marqué son 130e anniversaire avec l'installation "Source de plaisir", une structure de 18 mètres dans des tons inspirés du café, mêlant patrimoine et expérience sensorielle.
IKEA:
Elle a célébré ses 30 ans à la Semaine du design de Milan avec une exposition immersive et le dévoilement de la nouvelle collection STOCKHOLM, axée sur le design scandinave et le développement durable.
Esope:
Présentation de "The Second Skin", une installation immersive et olfactive qui explore le lien entre la peau et le design.
Capsule Plaza:
Collaborations mondiales (HEM x Formafantasma, STONE ISLAND, HUMANRACE, PAN x NIKE), explorant le concept de "Expanded Living" et d'habitats hybrides pour les modes de vie contemporains.
Artemest:
L'artisanat italien a été mis à l'honneur au Palazzo Donizetti, avec six créateurs réinterprétant la tradition à travers des pièces sur mesure.
5VIE Semaine du design:
Sous le thème "Harmonies invisibles", cette édition a exploré les forces invisibles dans le design, avec des productions originales et des collaborations dans des lieux tels que Cavallerizze et Palazzo Correnti.
MAISONS DE COUTURE
Ces installations illustrent la manière dont les marques de mode s'engagent de plus en plus dans la décoration d'intérieur et le discours culturel, en créant des expériences immersives qui transcendent les présentations de mode traditionnelles.
Saint Laurent - Réédition du mobilier Charlotte Perriand
Saint Laurent, sous la direction d'Anthony Vaccarello, a dévoilé quatre pièces de mobilier inédites de la créatrice pionnière du XXe siècle Charlotte Perriand. L'exposition présente des dessins de 1943 à 1967, reproduits à partir de prototypes ou d'esquisses originaux. Parmi les pièces maîtresses, citons "La Banquette de la Résidence de l'Ambassadeur du Japon à Paris" (1967), un canapé à cinq places conçu à l'origine pour la résidence de l'ambassadeur du Japon à Paris.
Gucci - "Bamboo Encounters" (rencontres avec les bambous)
L'exposition de Gucci, "Bamboo Encounters", s'est tenue dans les Chiostri di San Simpliciano. Organisée par Ippolito Pestellini Laparelli de 2050+, l'installation a invité sept artistes et designers internationaux à réinterpréter le motif emblématique du bambou de la marque. L'exposition a exploré la signification culturelle, écologique et émotionnelle du bambou à travers différents supports, notamment des meubles sculpturaux et des cerfs-volants ludiques qui flottaient dans les cloîtres, mettant en évidence la polyvalence et le symbolisme du matériau.
Loewe - "Théières
Loewe a présenté "Teapots" au Palazzo Citterio, en demandant à 25 artistes, designers et architectes de réimaginer la théière en tant qu'objet sculptural. L'exposition célébrait le confort universel du rituel du thé, chaque pièce reflétant les diverses interprétations culturelles et le savoir-faire artisanal. Patricia Urquiola, David Chipperfield et Shozo Michikawa, entre autres, y ont contribué.
Prada - "Prada Frames : In Transit"
Le symposium "Prada Frames", organisé par le studio de design Formafantasma, s'est tenu au Padiglione Reale et à bord du train Arlecchino, conçu par Gio Ponti et restauré, à la gare centrale de Milan. L'événement proposait une série de conférences explorant l'intersection de la mobilité, du design et de l'environnement sous le thème "In Transit". Le cadre unique a mis en valeur le dialogue entre le design historique et les questions contemporaines.
MATÉRIAUX REMARQUABLES PRÉSENTÉS
Verre:
Surtout Murano, utilisé dans des formes vibrantes, stratifiées et texturées pour les tables, les luminaires et les accessoires.
Pierre naturelle et marbre:
Mis en valeur pour leur savoir-faire, souvent associés à d'autres matériaux pour créer un contraste.
Céramique et grès porcelaineux:
Utilisé dans des applications traditionnelles et innovantes, y compris les carreaux tactiles et les objets sculpturaux.
Bois et terre cuite:
La chaleur, la durabilité et la valeur artisanale sont mises en avant, avec des techniques comme la broderie et l'impression 3D qui repoussent les limites.
Résine, métal, béton:
Présentées sous des formes sculpturales audacieuses, souvent dans le cadre d'œuvres mixtes.
Fausse fourrure et tissus tactiles:
Ajout d'éléments ludiques et sensoriels au mobilier et aux accessoires
Tables en verre de Murano - (c) Matteo Zorzenoni
COULEURS
Mousse Moka (Couleur Pantone de l'année):
Les tons chauds et doux de brun dominent, utilisés dans tous les domaines, de l'éclairage à la céramique.
Neutres terreux:
Associés à des matériaux naturels pour un effet apaisant, inspiré de la nature.
Des teintes de verre vibrantes:
Des roses sucrés, des bleus radieux et des couleurs audacieuses dans le verre et l'éclairage.
Palettes rétro-futuristes:
Mélange de couleurs nostalgiques des années 1970/80 avec des finitions modernes pour une ambiance "futur vintage".
EN CONCLUSION
La Semaine du design de Milan 2025 s'est distinguée par ses expérimentations audacieuses en matière de matériaux - en particulier avec le verre et les matériaux mixtes - une riche palette de tons moka, des formes organiques ludiques et un accent profondément ancré sur la durabilité. Des acteurs majeurs comme IKEA, Lavazza et Aesop ont captivé les visiteurs avec des installations immersives et sensorielles, tandis que des collaborations avec des maisons de couture et des innovateurs technologiques ont repoussé les limites traditionnelles du design. La semaine a été un hommage vibrant à l'artisanat italien et à la créativité mondiale, avec des matériaux, des couleurs et des explorations interdisciplinaires au centre de l'attention.
Références : Fuorisalone.it / AD Magazine / Elle Deco / Designboom.com
Photographies : si elles ne sont pas mentionnées, elles proviennent de Fuorisalone.it.
Première photo : Conçue par Monica Armani, la table Chapeau de Lago. Photographie avec l'aimable autorisation de Lago.